Film

von Michael Kienzl

Einen Film über die Anfangstage der Französischen Revolution zu drehen ist erst einmal nichts Ungewöhnliches. Was aber den neuen Film des französischen Regisseurs Benoît Jacquot (Villa Amalia) auszeichnet, ist seine Erzählperspektive. Leb wohl, meine Königin! (Les adieux à la Reine), der die Berlinale eröffnete, interessiert sich nicht für das Volk, von dem die Revolution ausging. Er spielt ausnahmslos bei Hofe, widmet sich dort aber weniger den Herrschenden als dem Dienstpersonal, allen voran der jungen Sidonie (Léa Seydoux), Vorleserin von Marie Antoinette (Diane Kruger).


Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Chantal Thomas, spielt der Film in einem Kreis Privilegierter, der von den Problemen der Außenwelt kaum etwas mitbekommt. Weltliches wie die Pest dringt höchstens mal in Form einer toten Ratte, die im venezianischen Kanal treibt, durch. Dann machen allerdings Nachrichten die Runde, die vor allem die Herrschenden stark beunruhigen: Das Volk hat die Bastille gestürmt. Als auch noch ein Flugblatt auftaucht, in dem die Köpfe der Adeligen gefordert werden, macht sich Untergangsstimmung breit. Die ersten Koffer werden gepackt.


Obwohl Jacquot an Originalschauplätzen in Versailles gedreht hat, rückt die beliebte Sehenswürdigkeit nur selten ins Zentrum der Aufmerksamkeit. Leb wohl, meine Königin! grenzt sich von den meisten bei Hof angesiedelten Historienfilmen schon deshalb ab, weil die Bilder eher an den Gesichtern der Schauspieler interessiert sind als an Kostümen oder der glamourösen Kulisse. Auch formal setzt Jacquot nicht auf Opulenz, sondern auf Dynamik. Immer wieder folgt eine Handkamera der Protagonistin, wie sie durch die labyrinthischen Gänge des Schlosses hetzt und in neue Winkel vordringt. So intim und lebendig wie Jacquot das inszeniert, vertreibt er effektiv jenen Mief, der so vielen Filmen mit historischen Sujets anhaftet. Ohnehin ist bei ihm die Welt der Monarchen nicht nur glatte Oberfläche, sondern verfügt etwa auch über andere Vorstellungen von Hygiene. In einer der ersten Einstellungen sehen wir Sidonie, wie sie sich erst ausgiebig an den roten Pusteln kratzt, die sich auf ihren Armen befinden, und anschließend an den verfilzten Haaren.


Sidonies Leben ist im Grunde genommen nur darauf ausgerichtet, der Königin zu dienen. Sich hübsch machen, mit Parfüm einreiben und schnell über den Hof hasten, um Marie Antoinette, die sich derweil im Bett räkelt, nicht warten zu lassen. Dass Leb wohl, meine Königin! die Sichtweise der Bediensteten einnimmt, hat auch gerade vor dem Hintergrund der Französischen Revolution durchaus etwas Subversives. Wenn etwa die Dienerinnen am Fenster stehen und über den König und seine Brüder lästern, zeigt der Film die Zwischenposition, die die Bediensteten einnehmen, irgendwo zwischen Abscheu und Faszination für die Welt der Monarchen.


Das ungleiche Machtverhältnis zwischen Herrschenden und Bediensteten bildet schließlich auch die Grundlage für ein Liebesdreieck unter Frauen, das Jacquot mit subtiler Spannung inszeniert. Sidonie fühlt sich zwar sexuell zu einem Diener hingezogen, der als Casanova gilt, ist im Grunde genommen aber vollkommen der Königin erlegen. Während das Volk draußen revoltiert, schafft sie es selbst nach der tiefsten Demütigung nicht aufzubegehren. Marie Antoinette weiß diese Zuneigung zu erwidern und für sich zu nutzten, ist aber in ihrer unerwiderten Liebe zur Herzogin von Polignac ebenso schwach und hilflos. Am Schluss gibt es nur Opfer. Nicht nur der Revolution, sondern auch der emotionalen Verstrickungen.

Diese Kritik wurde zunächst auf Berlinale im Dialog veröffentlicht, unser Partner für die Berlinale.

von Sandra Wickert

Man könnte meinen, in Lateinamerika passiere nicht viel: das Leben plätschert so vor sich da hin, die Einwohner haben sich nichts zu sagen, schlagen ihre Zeit mit Zigaretten rauchen, gelangweilt sein und Musik hören rum. Diesen Eindruck kann man jedenfalls gewinnen, wenn man sich aus den argentinischen Berlinalebeiträgen genau die zwei Filme rauspickt, in denen die Entdeckung der Langsamkeit zelebriert wird. Während es in „Ocio“ (Berlinale Forum) von Juan Villegas und Alejandro Lingenti ein paar jugendliche Tagediebe sind, die sich in einem Vorort von Buenos Aires durch den Tag schweigen, ist es in „Un Mundo Misterioso“ von Rodrigo Moreno (Wettbewerb) der Mittdreißiger Boris, der durch eine Probe auf Trennung, die von seiner Freundin Ana ausgeht, plötzlich zu viel Zeit hat.

Un mundo misterioso

Moreno lässt seinen Filmhelden orientierungslos durch den Tag streifen, wobei ihm die Kamera langsam und stetig bei allem folgt, was er tut. Oder besser: nicht tut. Alle Unternehmungen, die Boris in Angriff nimmt, wirken halbherzig und unmotiviert. Ana zurückgewinnen? Bei zwei kurzen Treffen ihm Café fehlen ihm nicht nur die Argumente, sondern fast gänzlich die Worte. Die Freiheit genießen und sich mit Sex, Drugs and Rock’n’Roll vom Liebeskummer ablenken? Geht nicht, denn aus einer Partyknutscherei wird nicht mehr als eine flüchtige Begegnung, denn auch hier sind es Kommunikationsschwierigkeiten, die ein Vertiefen der Bekanntschaft verhindern. Selbst als Boris sich ein Auto verkauft, kommt nicht viel mehr Bewegung in die Handlung: der rumänische Gebrauchtwagen ist eine echte Schrottmühle und spiegelt den desolaten und hilflosen, aber durchaus liebenswürdigen Zustand seines Besitzers wieder. Quälende zwei Stunden begleiten wir Boris durch sein zielloses Herumirren als Neu-Single, wobei es einige kurze Momente gibt, in denen man mitfühlt und sogar mal lachen muss: in den Momenten, in denen man sich wiedererkennt: das Herumspielen am Handy aus purer Langeweile oder das sich-Fehl-am-Platze-fühlen bei Partyspielen. Leider legt sich die Statik und Sprachlosigkeit der Handlung bleischwer auf den Filmgenuss nieder: das Vergnügen wird erdrückt und nach zwei Stunden tapferen Ausharrens auf dem Kinositz wünscht man sich nur eins: etwas Action, bitte!

Ocio

Einen ähnlichen Ansatz verfolgt Ocio, auch dies ein Film mit geringem Gesprächsanteil. Es werden ein paar typische Tage im Leben von Andrés erzählt, der mit seinem Vater und Bruder in einem Vorort von Buenos Aires wohnt. Viel geredet wird hier auch nicht, allerdings spielen hier Musik und Bilder eine wesentliche Rolle. Der Film basiert auf einem Roman von Fabian Casas, und wenn man den nicht kennt, bleiben einige große Fragezeichen am Filmende stehen. Viele Szenen scheinen keinen Sinn zu machen und einige Aktionen der Beteiligten bleiben unklar, wie auch die beiden Monologe der Nebendarsteller, die einen Großteil des Gesprächanteils des Films ausmachen. Während man sich in Un Mundo Misterioso durch die Zeit des Schweigens quält, schaut man in Ocio den Jungs beim Abhängen eigentlich ganz gerne zu und freut sich, wenn immer mal wieder ein krachiges Gitarenriff die Stille unterbricht. Hier wird zumindest so etwas wie ein sehnsüchtiges, melancholisches Gefühl erzeugt, auch wenn Ocio keinen nachhaltigen Eindruck hinterlässt, einem Musikvideo gleich, dass man sich ganz gerne anschaut, aber auch schnell wieder vergisst.

Karen llora en un bus

Zum Glück gibt es noch Karen aus Karen llora en un bus (Forum) von Gabriel Rojas Verda aus Kolumbien. Die Protagonistin verschlägt es nach zehnjähriger Ehe und einer gesicherten, aber ereignislosen Existenz als Anwaltsehefrau in ein neues Leben, in dem sie zunächst keinen Job, kein Geld und keine Freunde hat. Ganz unten angekommen begleitet der Zuschauer Karen, wie sie sich von alten Gewohnheiten befreit und langsam zu einer neuen, mutigeren und glücklicheren Persönlichkeit findet. Die einst sittsame Gattin aus der Mittelklasse hätte sich wohl früher kaum vorstellen können, sich mit einer Friseuse anzufreunden, vor Hunger nicht schlafen zu können, in Kaschemmen abzuhängen und sogar Fremde um Geld anzuschnorren. Nach und nach wird aus der braven Karen eine selbstbestimmte, glücklichere Frau die sich plötzlich nicht mehr scheut, das zu tun, was sie will und sogar beherzt eine Kakerlake zertritt, vor der sie anfangs schreiend davongelaufen ist. Regisseur Verda erzählt in der anschließenden Q&A-Session von seiner besonderen Liebe zu den Frauen, und das merkt man dem Film in jedem Moment an. „Karen llora en un bus ist übrigens kein Frauenfilm, auch wenn das so scheinen mag. Es ist ein Film über die kleinen, aber stetigen Schritte in Richtung es selbstbestimmten und freien Lebens. Es passiert also doch noch was in Lateinamerika.

Der Wettbewerbsbeitrag "The Future" von Miranda July und der Film "Utopians" von Zbigniew Bzymek zeigen das Scheitern im amerikanischen Alltag.

von Christiane Lötsch

Ein angespannter Yogalehrer, der nach und nach seine Schüler verliert. Eine ungeduldige Tanzlehrerin für Kinder, die „mehr Lehrerin als Tänzerin“ ist. Sowohl Roger in „Utopians“ als auch Sophie aus „The Future“ stehen an einem Wendepunkt im Leben. Sie geben ihre gewohnten Tätigkeiten auf und begeben sich, trotz Anzeichen des kommenden Scheiterns, in das unsichere Nichts eines neuen Lebens. Roger gibt dem Willen seiner Tochter Zoe nach, die – gerade aus dem Krieg zurückgekehrt - ihre schizophrene Freundin Maya aus der Psychiatrie befreien möchte. Zu dritt beginnen sie, ein Haus zu renovieren. Treppengeländer reparieren, Türen abschleifen, Zement anrühren – ein meditativer Weg ins Nichts. Der Hausbesitzer wird nicht mehr hinein gelassen, die drei verstecken sich hinter den Gardinen und vernachlässigen ihre Arbeit. Große Lust hatten sie seit Beginn nicht richtig darauf, die Abnabelung vom Rest der Welt beginnt.

Ähnlich isoliert lebt das Paar Jason und Sophie in Los Angeles, nur über ihre schicken Apple Computer halten sie Kontakt zur Außenwelt. Ihr formloses Bohemian-Leben in der verrumpelten Wohnung und in vergangenen Träumen („I thought I would be more clever“) ändert sich, als sie beschließen, eine verletzte Katze aufzunehmen. Der letzte Monat in Freiheit muss ausgekostet werden und Jason und Sophie beginnen ihre Suche nach sich selbst. Sie finden unterschiedliches. Während Jason versucht, Bäume für ein besseres Klima zu verkaufen und Sophie keinen einzigen ihrer „30 Tänze in 30 Tagen“, die sie auf You Tube zeigen will, wirklich aufnimmt, entfernen sie sich langsam voneinander. Sophie nimmt Kontakt mit einem Familienvater im Reihenhaus auf und ist besessen von der Idee eines anderen Lebens. Sie will alles ausprobieren und lässt ihr Leben langsam aus dem Ruder laufen.

Die filigrane Gitarrenmusik in „Utopians“ und die elektronischen Arrangements in „The Future“ betonen die Zerbrechlichkeit der Charaktere, die in einer Gesellschaft mit vielseitigen Ansprüchen an das Individuum nicht zurecht kommen. Auch das helle, fast überbelichtete Licht – beide Filme spielen in Los Angeles - verwandelt die Filme in eine Art Traumwelt. Detailshots und Schwarzbilder verlangsamen die Erzählung, brechen die chronologische Erzählstruktur auf und präsentieren uns Lebensfragmente der Protagonisten. Eine sprechende Katze mit gebrochener Pfote, ein Freund, der die Zeit anhalten kann ein kriechendes T-Shirt in „The Future“ intensivieren die surrealen Momente, die als Rahmen für die eigene Verlorenheit dient. Beide Filme bestechen durch ihre schwankende Atmosphäre, Roger, Jason und Sophie bewegen sich traumwandlerisch durch ihr Leben wie im Auge des Orkans, der sie wenig später davon tragen wird.

Filmstills@Internationale Filmfestspiele Berlin

von Sandra Wickert

Schon 2009 gewann der iranische Regisseur Asghar Farhadi mit „Alles über Elly“ einen silbernen Bären. Mit seinem diesjährigen Wettbewerbsbeitrag „Nader and Simin. A separation“ ist er erneut einer der heißesten Anwärter auf diesen Preis.



Simin ist eine Frau am Rande des Nervenzusammenbruchs. Endlich, nach ewigem Hickhack hat ihre Familie ein Ausreisevisum erhalten, doch ihr Mann Nader fühlt sich seinem pflegebedürftigen Vater verpflichtet und möchte lieber im Iran bleiben. Um Simin zu halten weigert er sich, in die von ihr eingereichte Scheidung einzuschlagen und somit die gemeinsame Tochter als menschliches Pfand an sich zu binden. Nader ist ein guter Ehemann, seine Tochter liebt ihn, er ist liberal eingestellt und packt auch im Haushalt mit an – keinerlei Gründe, die eine Scheidung für den zuständigen Beamten rechtfertigen würden. Als Simin für zwei Wochen zu ihren Eltern zieht, um ihren Standpunkt klarzumachen, nimmt das Schicksal seinen Lauf.



„Nader and Simin…“ ist ein vielschichtiger Film: Es geht um Altenpflege, Überforderung der Angehörigen, Verantwortungsgefühl versus persönliche Freiheit, Lügen und Verstrickungen und, fast nebenbei aber ständig präsent, die aktuelle politische und religiöse Situation im Iran. Während Nader und Simin für den fortschrittlich denken, neuen Iran stehen, verkörpert die zur Pflege des dementen Vaters bestellte Haushaltshilfe Razieh den stark religiös geprägten Teil der Bevölkerung. Auf der einen Seite stehen Nader, der die jugendliche Tochter zu selbständigem Denken und Verantwortungsbewusstsein erzieht sowie Simin, die ihrem Mann gegenüber völlig gleichberechtigt ist und sich von nichts und niemandem etwas sagen lässt. Auf der anderen Seite steht die fromme Razieh, die erst eine religiöse Instanz um Erlaubnis befragen muss, bevor sie den Naders Vater, der in seine Hose genässt hat, entkleiden darf.



Geschickt verstrickt Asghar Farhadi diese Gegenpole zu einer Geschichte, in der plötzlich nicht mehr alles schwarz oder weiß ist, wo nicht mehr klar ist, wer lügt und wer die Wahrheit sagt – und ob es die Wahrheit als solche überhaupt gibt. Was für die moderne Familie Naders als richtig erscheinen mag, kann für Razieh und ihren Mann eine Katastrophe bedeuten. Trotz sozialer Unterschiede sind es, Tochter Termeh eingeschlossen, die drei Frauen, die auf unterschiedlichste Weise versuchen, ihre Familien zu retten, während die Männer eher an ihren eigenen Stolz als an das allgemeine Wohl denken. „Nader and Simin. A separation“ ist anstrengend, weil vieles auf einmal geschieht, weil alle ständig durcheinander reden, weil man oft das Verhalten der Beteiligten nicht nachvollziehen kann, weil man sie rütteln möchte, um sie zur Vernunft zu bringen, weil man ja schon ahnt, dass sich am Ende leider nichts in Wohlgefallen auflösen wird. Realistisch, packend und wichtig: das könnte einen Bären geben.

Filmstills@Internationale Festspiele Berlin

von Sandra Wickert

Schwere Kost mit “Lo Roim Alaich“ der israelischen Regisseurin Michal Aviad

Am Anfang ist es ein Zufall, der zwei Frauen eint, die unterschiedlicher nicht sein könnten, die aber ein gemeinsames Schicksal teilen: TV-Journalistin Nira (Evgenia Dodina) erkennt bei einem Dreh im militärischen Sperrgebiet in Israel Polit-Aktivistin Lily (Ronit Elkabetz) die Frau, die einst neben ihr bei einer polizeilichen Gegenüberstellung ihren gemeinsamen Vergewaltiger identifizierte. Dreißig Jahre ist das nun her und beide Frauen scheinen das schreckliche Erlebnis in der Vergangenheit abgeheftet zu haben. Ausgehend von diesem Initialmoment zeigt „Lo Roim Alaich“ von Michail Aviad Stück für Stück auf, wie das Trauma Vergewaltigung nicht nur die Leben zweier Frauen, sondern auch die der sie umgebenden Personen für immer verändert hat.

Nira will alles mit ihrem journalistischen Auge begreifen. Sie beginnt zu recherchieren, trägt Fakten zusammen, sammelt Aussagen anderer Opfer, sieht Gerichtsakten ein und liest alte Zeitungsberichte. Direkte Konfrontation, sozusagen Schocktherapie und Flucht nach vorn, um das ihr Angetane durch Versachlichung irgendwie fassbar zu machen. Erst nach und nach zeigt sich, dass die Tat, die doch so lange zurückliegt, immer noch ihr alltägliches Leben beeinflusst. Das geschieht in kleinen, subtilen Hinweisen: wenn Nira die Straßenseite wechselt, sobald sie auf einsamer Straße Schritte hinter sich hört, wenn sie erzählt, wie Sex für sie niemals ein normaler Akt sein wird und wie sie versucht, ihre kleine Tochter vor allen Unbillen dieses Lebens zu beschützen.

Während Nira sich Nacht für Nacht an ihre Tochter kuschelt, sucht die toughe Lily Halt in ihrem politischen Aktivismus. Sie scheint stark und mutig, legt sich furchtlos mit Soldaten an, um für ihre Sache einzustehen. Sie hat sich dafür entschieden, ihre Vergangenheit zu verdrängen, doch als Nira auf sie zukommt, bricht die Fassade ein. Ihr oberflächlich gut funktionierendes Leben mit Ikea-Küche, ihrem Job als Fitnesstrainerin und ihrem ansprechenden Äußeren ist längst nicht das, was es scheint. Die Ehe ist schon lange kaputt, mit den erwachsen werdenden Kindern kommt keine normale Kommunikation zustande und eigentlich ist immer noch das junge Mädchen, dem etwas unfassbar Schreckliches angetan wurde und das sich seitdem nicht mehr gefangen hat. Lilys Tochter merkt, dass ihre Mutter etwas mit sich herumträgt: „Manchmal bist du Superwoman und manchmal bist du diese kleine Frau“ – und plötzlich wird aus der starken Person eine unsichere Mutter, die mit Worten ringt, um ihrer Tochter das lange verschwiegene Geheimnis anzuvertrauen. „Spiel nicht das ewige Opfer,“ bricht es aus ihrem Ehemann heraus, als sie ihn anfleht, sie nicht zu verlassen. Dieser Satz, der grausam und kalt klingt, verdeutlicht, wie das lange zurück liegende Ereignis einen großen Kreis zieht um alle Menschen herum, die das Vergewaltigungsopfer umgeben.

Regisseurin Michail Aviad hat, ausgehend von einem wahren Ereignis, einen Film zwischen Fiktion und Dokumentation über das Verbrechen Vergewaltigung und dessen Auswirkungen im Leben zweier Frauen und deren Familien gedreht. Die Taten des „höflichen Vergewaltigers,“ der seine Opfer zu Zuneigung zwingen wollte, das Verhör, sogar das Muttermal des Täters auf seinem Rücken entsprechen wahren Begebenheiten. Die Story darum, um Nira und Lily, ist fiktiv. Die Regisseurin, deren Motivation für dieses schwere Thema ein zutiefst persönliches ist, möchte mit ihrem Erstlingswerk die Hilflosigkeit, die dieses Trauma mit sich bringt, aufzeigen und die zahlreichen Nebenkriegsschauplätze, die sich nach einer Vergewaltigung auftun. Das sind zum einen die unprofessionelle und entwürdigenden Behandlungen und Befragungen durch Psychiater, Polizisten oder Richter, zum anderen der tägliche Kampf um die Rückkehr zur Normalität.

Der Film braucht eine Weile, um zu seiner vollen Wirkung zu gelangen. Selbst als weibliche Betrachterin wird das Grauen, das dem Thema zu Grunde liegt, nicht immer fassbar. Die nicht inszenierten Original-Tonbandaufnahmen der Verhöre der damaligen Vergewaltigungsopfer gehen erst so richtig unter die Haut, wenn man sie als solche identifiziert hat. Ein leichtes Unwohlsein begleitet den Zuschauer den gesamten Film hindurch, allerdings wird es nie so stark, dass es kaum auszuhalten ist, wie man es aus anderen Filmen mit ähnlichem Thema kennt. Ein guter, aber kein herausragender Film, nicht anklagend, sondern begreifbar machend, das ist Michail Aviad mit „Lo Roim Alaich“ gelungen. Etwas mehr von den Momentne, die einem den Atem stocken lassen, hätte der Film vielleicht noch gebraucht. Als sich Lilys One-night-stand-Bekanntschaft von hinten in der Dusche an sie nähert ist die Spannung, ob dadurch Pandoras Box geöffnet wird und sich Lilys stilles Trauma zu einer akuten Panikreaktion verwandelt, kaum auszuhalten. Lily lässt ihren Liebhaber gewähren. „I hatte Sex gestern Nacht,“ erzählt sie Nira anschließend, „es war großartig.“ „Invisible. Man sieht es ihr nicht an.“ Lässt man den übersetzten Filmtitel und die abschließende Statistik, dass eine von fünf Frauen in ihrem Leben mit Vergewaltigung oder versuchter Vergewaltigung konfrontiert wird, setzt die Betroffenheit dann doch ein – die Message ist angekommen.

Filmstills@Internationale Festspiele Berlin

Politiker lassen sich auch gern bei der Berlinale feiern. Eine kurze Übersicht der Glamour-Wannabee.

(c) Katarzyna Swierc